TIM RILEY- FEVER HOW ROCK ´N´ROLL TRANSFORMED GENDER IN AMERICA

+++aSem títuloFever: How Rock ‘n’ Roll Transformed Gender in America. Em Fever, o crítico musical Tim Riley argumenta que, enquanto modelos políticos e atléticos nos decepcionaram, rock and roll tem fornecido modelos duradouros para homens e mulheres. De Elvis Presley a Tina Turner, de Bruce Springsteen a Kurt Cobain e Courtney Love, Riley faz um convincente caso de que o rock and roll, longe da força corrosiva que os críticos conservadores se tornaram, e em vez disso são uma influência positiva na vida das pessoas, estabelecendo modelos de género que desafiam o papel muito mais duradouro do que, filmes, TV, ou a “vida real”.

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JOSEPH CONRAD – PENSAMENTO

++aad“Who knows what true loneliness is–not the conventional word, but the naked terror? To the lonely themselves it wears a mask. The most miserable outcast hugs some memory or some illusion. Now and then a fatal conjunction of events may lift the veil for an instant. For an instant only. No human being could bear a steady view of moral solitude without going mad.”

Joseph Conrad, Under Western Eyes

R.I.P. BUTCH MORRIS

Butch_MorrisButch Morris, o maestro da improvisação (1947-2013) morreu aos 65 anos.
O incessantemente inovador, compositor, considerado o criador do método de “improvisação dirigida” Lawrence D. “Butch” Morris, nascido em Long Beach, Califórnia, em 1947, o pioneiro do sistema ensemble interaction a que chamou de condução, morreu num hospital de Nova York ontem. Tinha cancro de pulmão, diagnosticado em agosto passado. Morris não era apenas um compositor, arranjador, maestro, ou condutor. Ou era tudo isso e muito mais. Num filme sobre Morris, Howard Mandel, especialista na vanguarda, diz que a música de Morris “não é jazz” Ou é.

Ele desenvolveu uma abordagem à música big band que chamou de condução “improvisação livre para ensemble e maestro”. Ele fez exigências sobre músicos, insistindo em intensa reação intuitiva de escuta e interação. O esforço envolveu o ajuste de métodos altamente personalizados que conduziu ao mesmo tempo, em compor e arranjar através de um sistema de pistas e movimentos da mão. Às vezes, combinado com partituras escritas, e o rigor exigido da técnica e concentração que nem todos os músicos e público estavam dispostos a fazer os seus esforços.

Em 1985, quando apresentou o seu método, encontrou muitas resistência. A sua persistência deu frutos. “Sentimos que estamos no início de uma nova e excitante linguagem musical”, escreveu a Gramophone.

Muitos que encontraram os resultados gratificantes o consideravam um génio.

Em Julho do ano passado esteve em Portugal, durante cinco dias com instrumentistas portugueses, dirigindo um masterclasse da Lisbon Jazz Summer School, no Centro Cultural de Belém, este músico que integrou o octeto de David Murray, em entrevista ao PÚBLICO, definiu o seu trabalho: “Eu faço música com seres humanos. Reunimo-nos e fazemos música no momento”.

Morris, um veterano da Guerra do Vietname primeiro ganhou reconhecimento entre os músicos como trompetista. O seu impacto mais importante, no entanto, veio como líder de banda de improvisação estruturada. Inventou um vocabulário de gestos, que significava ações para músicos seguir: repetir, sustentar, tocar mais alto, entre outros. Em pé na frente de um ensemble que só às vezes tinha escrito pontuações na frente dele, ele implantava aqueles gestos de acordo com a sua imaginação e intuição. Os seus músicos tinham a liberdade de interpretá-los como quisessem, dando ás performances um sabor distinto de imprevisibilidade e intimidade.

Apontando como referências Sun Ra, Lukas Foss, Charles Moffett ou a Two Improvisations for Orchestra, de Leonard Bernstein, dizia não se preocupar com aquilo que chamavam à sua música. Mas concedia que, “desde que seja um homem negro a tocar um trompete, serei um músico de jazz aos olhos das outras pessoas. Isso suficientemente bom para mim. Não há nada de mal em ser chamado músico de jazz”.

A revista Gramophone escreveu que “nada se compara à magnitude da visão pessoal que Morris tem da direcção. Sentimos realmente que estamos no início de uma nova e excitante linguagem musical”. Butch criou-a, mas já não verá o que dela frutificará no futuro.

TONY WILLIAMS

070710-Tony-williams-1As ultimas palavras de um mestre da bateria. O mundo ficou chocado quando o génio da percussão Tony Williams faleceu repentinamente na sua cama de hospital em 23 de fevereiro de 1997. Tinha apenas 52 anos e parecia estar de boa saúde, com décadas de expressão criativa à sua frente.

“Um baterista como Tony aparece em torno de uma única vez em 30 anos”-Miles Davis

Quando Tony Williams morreu em 23 de fevereiro, deixou para trás não só um legado rico de extraordinário rufar, mas também a promessa de coisas incríveis que viriam. Ele entrou no Seton Medical Center, em Daly City, Califórnia, numa quinta-feira, 20 de fevereiro para uma pequena cirurgia da vesícula e estava em processo de recuperação, quando sofreu um ataque cardíaco fatal.

Enquanto permanecia na sala de recuperação do hospital com a sua esposa Colleen ao seu lado, Williams teria começado a senti um desconforto e pediu à sua esposa para chamar um médico ou enfermeiro. A Sra. Williams encontrou um membro da equipa, foi-lhe dito para não se preocupar, uma vez que tais dores eram comuns durante a recuperação de uma cirurgia da vesícula biliar. Quando ela voltou para o seu marido, porém, ficou claro que a sua condição estava se deteriorando rapidamente. Ela mais uma vez encontra um profissional de saúde e pediu ajuda. Até ao momento, não está claro quantas vezes a Sra. Williams chamou o pessoal do hospital, mas quando um profissional de saúde, finalmente, veio ajudar Williams, ele já estava morto.

Só nesse ano, Williams tinha entrado numa nova fase da sua carreira como compositor de música orquestral contemporânea, com a libertação de Wilderness. A música do álbum era diferente de qualquer um dos seus últimos trabalhos gravados. O núcleo do grupo era Williams na bateria, o saxofonista tenor Michael Brecker, Stanley Clarke no baixo, o pianista Herbie Hancock, e o guitarrista Pat Metheny, acompanhados por uma orquestra de 30 músicos.

O álbum abre com “Wilderness Rising”, uma composição estruturada de Aaron Copeland “Appalachian Spring”. Mais quatro variações – “Infant Wilderness” “Wilderness Voyages” “Sea Of Wilderness” e “Cape Wilderness” – completa a suíte, que é intercalada com outras composições originais que permitem mais espaço para a improvisação.

“Quando você faz um registo com os chamados all-stars, a maioria deles acaba por ser sessões onde os tipos se reúnem para uma jam” disse Williams. “Eu queria que este fosse mais do que uma jam, mais do que a soma das suas partes. Eu queria que este álbum tivesse um tema central, uma linha de pensamento. Mas eu também queria refletir a minha visão. Eu queria dar algo mais que um presente a Pat, Herbie, Michael e Stanley: uma experiência emocionante musical. Eu queria surpreendê-los com um projeto mais envolvente. Eu também queria fazer isso para o ouvinte – o público que compra. Vocês estavam pedindo para ouvir alguma coisa, e eles sabem esperar um pouco. Eu queria dar-lhes algo mais que os seus problemas”.

Desde o início da sua carreira profissional, Williams considera a composição e a percussão de igual importância. Ele começou a escrever nos anos 60, quando tocou com Miles Davis, que gravou três das suas canções: “Pee Wee”,”Hand Jive” e “Black Comedy” Williams estudou orquestração, harmonia e composição na Julliard School of Music, e na Universidade da Califórnia, em Berkeley. Na verdade, o professor de orquestração de Williams na Universidade da Califórnia foi o primeiro a sugerir que escrevesse “Wilderness Rising” para orquestra.

“Eu estudo o tempo todo”, disse Williams. “É como ser um médico. Na música, você tem se manter sempre a aprender, e eu gosto de aprender. Agora, eu estou apenas tentando escrever tão bem quanto eu puder. Eu gostaria de ser um bom compositor, como eu acho que sou baterista. Eu gostaria de o fazer até ao mesmo nível que o meu jeito de tocar. As pessoas que eu gosto são na sua maioria compositores clássicos – Stravinski, Shostakovich, Bartok, Edward Algar, Aaron Copeland e um monte de compositores do século XIX como Chopin e Greig ”

É lamentável que, mesmo nos anos 90, a maioria das pessoas ainda fica chocada ao ouvir um baterista citar Stravinski como influência. Tal ironia não passou despercebida a Williams, conhecido pelo seu temperamento explosivo, que disse: “Só porque você toca saxofone não significa que seja um compositor, e só porque você toca piano não significa que você possa escrever música. Há toneladas que tocam o seu instrumento que não sabem escrever, e quando tentam, é triste. ”

Williams estava decidido sobre a musicalidade da bateria, e por razões muito boas. Ele foi um dos primeiros a abordar o conjunto da bateria como um compositor olhando para uma folha de papel manuscrita. Nas suas mãos, o kit oferecia uma variedade de sons que poderiam ser orquestrados em variações infinitas. Não era simplesmente uma questão de manter o tempo, embora ele manteve os mais profundos sulcos no registo. Mas os seus sulcos também sugeriu melodia, contraponto e harmonia, e que foi uma revelação para a maioria dos bateristas nos anos 60.

“A dança da bateria numa banda é uma invenção americana que as pessoas não prestam muita atenção”, disse Williams. “É um tesouro americano. Um monte de musicos deram o seu sangue para este instrumento – e é oferecida menos dignidade do que, digamos, á harmonica. Talvez por eu ser baterista, esteja prejudicado. Eu acho que precisa ser trazido à luz o que a bateria e o baterista dizem. Você pode ter alguns músicos abaixo da média e um grande baterista, e o público pensa que é grande banda, mas não sei porque. Você pode ter uma grande banda com um baterista ruim e as pessoas abanam a cabeça não sei porquê”.

BEST DRUMMERS 2012

MikePORTNOY2 Mike Portnoy

HALL OF FAME -Phil Collins ganhou destaque em meados dos anos 70, como baterista da banda britânica Genesis, que liderou um estilo de rock progressivo e contou com longos momentos ímpares, e mudanças dramáticas na dinâmica, ritmo e humor. Como a ascendência do punk e da New Wav no final da década, os Genesis foram uma das poucas bandas que habilmente mais absorveram modernos elementos sonoros, e a sua popularidade cresceu com cada álbum seguinte. Collins simultaneamente começou uma carreira a solo de enorme sucesso, começando com o eternamente popular tema de bateria “In the Air Tonight”. Collins com a sua destreza absolutamente monstruosa na bateria, definida não apenas pela sua capacidade de tocar arranjos muito complexos, mas também pelo seu groove extremamente emotivo, som tom único e compreensão inata de songerait pop. Decidiu aposentar-se em 2011- os ferimentos nas vértebras do seu pescoço são dolorosos ao tocar, e ele preferiu focar as suas energias nos dois jovens filhos- Collins manteve-se na consciência do público, recentemente lançando o CD Going Back, que apresenta interpretações favoritas de canções R & B, e Live in Montreux 2004 DVD.

MVP- Figura central de uma das mais faladas histórias da bateria do novo milénio, Mike Mangini fez o aparentemente impossível, substituir a figura mais visível na moderna banda de rock-progressivo. Claro, a decisão dos Dream Theater para transformar o processo de substituição de recém-saído baterista Mike Portnoy num verdadeiro reality show on-line não doeu no perfil de Mangini. Mangini conhecido pela sua experiência, habilidade técnica e versatilidade musical, é quase absurdamente futurista nos conceitos de percussão e de completa prontidão para o desafio, para não mencionar a sua capacidade de transfixar de volta o status mítico ás audiencias entre os fãs do rock progressivo. Performances desenfreadas de Mike na internacional turné dos Dream Theater 2011, e abordagem na sua estreia da gravação com a banda, fez dele o MPV mais valioso player na cena da percussão do ano passado.

MVP- 1. Mike Mangiani 2. Vinnie Colaiuta 3. Chad Smith 4. Josh Freese 5. Matt Chamberlain.

Parecia óbvio para a maioria dos fãs do rock, 2011 foi o ano dos Foo Fighters, e do bandleader/cantor/baterista Dave Grohl (que liderou nesta categoria o ano passado). Em termos percussão, zelo puro e charme old-school de Taylor Hawkins foi verdadeiramente heróico sobre registo, em concerto, e nas duas apresentações dos Grammy Awards.

MAINSTREAM ROCK- 1 Taylor Hawkins 2. Chad Smith 3. Travis Barker 4. Jason Bonham 5. Brian Tichy

ALTERNATIVE-1.Thomas Pridgen (the Mars Volta) 2. Brooks Wackerman 3. Dale Crover 4. Glenn Kotche 5. Jay Lane

POP – 1. Lary Mullen JR.(U2)2. Matt Flynn 3. Scott Underwood 4. Patrick Carney 5. Nate Morton

Josh Freese.A cena do estúdio pode não é o que costumava ser, mas ainda há espaço para os mestres inabaláveis deixar a sua marca. No ano passado, como a maioria dos anos, Josh Freese esteva ocupado fazendo com os artistas mais populares do grande som. Entre seus significativos 2011 shows:Hard Times and Nursery Rhymes by Social Distortion, Goodbye Lullaby by Avril Lavigne, Ghost on the Canvas by Glen Campbell, Christmas by Michael Bublé, Stronger by Kelly Clarkson, and Memories of a Beautiful Disaster by James Durbin.

STUDIO- 1.Josh Freese 2. Matt Chamberlain 3. John “JR” Robinson 4. Chad Cromwell 5. Jay Bellerose

mikemanginipiercedrumheadMike Mangiani

NEIL PEART- Como diz a velha piada, se uma entrada para o baterista de rock progressivo estava no dicionário, seria Peart que se veria. Neil é um marco cultural com quase quarenta anos de carreira, e parece mais ativo do que nunca. No ano passado, o baterista/letrista dos Rush apareceu na capa de dezembro da MD, lançou o livro Far and Away: A Prize Every Time, participou na tourné da lendária banda canadiana Time Machine, e os DVDs Taking Center Stage e Fire on Ice:The Making of the Hockey Theme, a âncora do primeiro solo de bateria no Letterman.

PROG- 1.Neil Peart 2. Mike Mangini 3. Todd Sucherman 4. Marco Minnemann 5. Carl Palmer

R & B- 1.Tony Royster JR. 2. John Blackwell 3. George “Spanky” McCurdy 4. Chris Dave 5. Gerald Heyward

JAZZ- 1. Jeff Hamilton 2. Jeff “Tain” Watts 3. Terri Lyne Carrington 4. Adam Cruz 5. Jamire Williams

METAL- 1. Chris Adler 2. Matt Halpern 3. Charlie Benante 4. Jeremy Spencer 5. Brann Dailor

CLINICIAN/EDUCATOR- 1. Chris Adler 2. Billy Ward 3. Mike Johnston 4. John Riley 5. Jim Riley

FUSION- 1. Steve Smith 2. Horacio “El Negro” Hernandez 3. Omar Hakim 4. Lenny White 5. Mark Guiliana

PERCUSSIONIST- 1.Luis Conte 2. Taku Hirano 3. Pedrito Martinez 4. Richard Bravo 5. Bashiri Johnson

COUNTRY- 1. Jim Riley 2. Chad Cromwell 3. Rich Redmond 4. Chris McHugh 5. Ben Sesar

UP & COMING- 1. Navene Koperweis 2. Elaine Bradley (Neon Trees) 3. Eric Slick (Dr. Dog) 4. Jonathan Schang (District 97)
5. Chris St. Hilaire (The London Souls)

THE VELVET UNDERGROUND -RICHIE UNTERBERGER

+++avucover‘White Light/White Heat, The Velvet Underground Day-By-Day’. Lançado em Junho de 2009, e edição pela Jawbone Press continua a impressionar a sua excelente e exaustiva Day-by-Day series, talvez a mais aguardada do historiador de rock All Music Guide guru Richie Unterberger, meticulosamente detalhada guia passo-a-passo através de toda a carreira dos Velvet. Através de entrevistas realizadas com os membros da banda e seus colaboradores, recém-descoberta documentação arquivística e uma série de fotografias raras e inéditas, posters, album art, e outras pertinentes e efemera culturais da carreira deste lendário, grupo, White Light / White Heat é o palavra definitiva sobre os VU e é uma obrigação própria para qualquer fã.

Excertos de White Light/White Heat: The Velvet Underground Day-By-Day

April 18-23, 1966: The recording sessions that produce the bulk of the Velvet Underground’s classic debut LP, The Velvet Underground & Nico (aka “the banana album”), with eyewitness accounts from co-producer Norman Dolph and co-manager Paul Morrissey.

May 11, 1965: Lou Reed records the first known versions of “Heroin” as demos for Pickwick Records.

Late December 1965: Andy Warhol is introduced to the Velvet Underground at the Café Bizarre in Greenwich Village.

January 2-14, 1967: The Velvet Underground play the Scene Club in New York, with eyewitness accounts from the other band on the bill, the Free Spirits (with Larry Coryell on guitar).

Early November 1967: Nico tries to join the United States of America (the band).

July 4-6, 1968: The Velvet Underground unveil a legendary and still-unreleased song at the Hippodrome in San Diego.

Early October 1968: Doug Yule joins the Velvet Underground, replacing outgoing John Cale.

October 23-25, 1969: The Velvet Underground play the Vulcan Gas Company in Austin, Texas.

October 27-29, 1969: John Cale records the bulk of his debut solo album Vintage Violence, with eyewitness accounts from co-producer Lou Merenstein.

Mid-to-late November, 1969: The Velvet Underground play the Matrix in San Francisco, taping performances later to comprise the backbone of 1969 Velvet Underground Live.

Late November 1969: Lou Reed gives a rare lengthy radio interview as leader of the Velvet Underground, discussing their first three albums as a linear body of work; the true meaning of the “white light” he writes about in “White Light White Heat”; the group’s mix of the hard, controversial rock and romantic ballads; and having his aura read in Los Angeles (!).

June 24, 1970: The Velvet Underground play the first of their two months of summer shows at Max’s Kansas City — their first shows in their Manhattan hometown for three years, and their last with Lou Reed as leader of the band, a brief 1993 reunion excepted.

April 1974: The release of the classic album 1969 Velvet Underground Live, with stories from liner note writer Elliott Murphy, who also helped assemble the record.

October 16, 2001: The release of The Velvet Underground Bootleg Series Volume 1: The Quine Tapes, with behind-the-scenes stories from those who make the record possible.

THE VELVET UNDERGROUND – COVERS

++aa tumblr_m8yra3FFMC1qbcgtno1_500há dezenas de covers de Sweet Jane, e algumas músicas são melhores do que outras, há versões de Venus in Furs, Femme Fatale & After Hours, bem como Sweet Jane, mas há também covers de Foggy Notion e She’s My Best Friend, todas Beck’s Record Club, muitos músicos conhecidos, The White Stripes, Joy Division, of Montreal, Red Hot Chili Peppers, Patti Smith, Alex Chilton, , Edwyn Collins & Paul Quinn, Jeff Buckley, Teenage Fanclub, The Black Crowes, Nick Cave and The Bad Seeds, My Morning Jacket, Thom Yorke, The Decemberists, Nirvana, David Bowie, REM and Billy Corgan.

After Hours (live) – The White Stripes. Vocals, somewhat nervous, from Meg White.

Femme Fatale (live) – Alex Chilton & Yo La Tengo. Alex Chilton covering The Velvets, it doesn’t get much better than that.

Sister Ray – Joy Division. Although, maybe this is better.

All Tomorrow’s Parties (live radio session) – Jeff Buckley

Candy Says – Beth Gibbons & Rustin Man

Sunday Morning – Clinker

Foggy Notion – Ted Kedylon. Covered on the ukulele, this is lovely.

Venus In Furs – John Cale.

Venus In Furs – Krieg

She’s My Best Friend – Of Montreal

Pale Blue Eyes – Edwyn Collins & Paul Quinn

John Cale, Andy Warhol and Nico in 1966

We’re Gonna Have A Real Good Time Together – Patti Smith

After Hours – Red Hot Chili Peppers

New Age – Ride

Sunday Morning – Strawberry Switchblade

Sister Ray – Suicide

Femme Fatale – Teenage Fanclub

What Goes On – The Attic Boys

Oh! Sweet Nuthin’ – The Black Crowes

What Goes On – The Feelies

Rock and Roll – The Psychedelic Rake

Heroin – High Delta

Who Loves The Sun (live acoustic session) – Kasabian

Venus In Furs – DeVotchKa

What Goes On – Ted Leo

Foggy Notion – Psychic TV

Here She Comes Now – Nirvana

I’m Set Free – Thom Yorke and Beck

Waiting For The Man – David Bowie feat Lou Reed. I thought as I’ve got a cover with John Cale and one with Mo Tucker it’d be only fair to have one with Lour Reed as well. Nothing with Stirling Morrison though, sorry.

Stephanie Says – Lady and Bird

Sweet Jane – Cowboy Junkies. You’ll probably have heard this from the Natural Born Killers soundtrack. This favourites in terms of Velvet Underground covers.

All Tomorrow’s Parties – Nick Cave and The Bad Seeds. Proving once again that Nick Cave and The Bad Seeds can make anything sound sinister and brilliant at the same time.

All Tomorrow’s Parties – Calexico and Iron & Wine.

Stephanie Says – Emiliana Torrini

Sweet Jane – Low Sea

Pale Blue Eyes (live) – REM. There’s about a minute of this before the actual song starts, but it’s well worth the wait.

There She Goes Again – REM. This is from Dead Letter Office which is a b-sides and rarities REM compilation which I bought exactly one year before I bought The Velvet Underground & Nico]

Femme Fatale – Elisa. This isn’t the greatest cover, but there’s some really interesting steel drum sounds in it which make it worth listening to. I’ve included this as an example as just how much The Velvet Underground’s influence different types of musicians.

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Pale Blue Eyes – Hole

I’m Set Free – The Kills

I Heard Her Call My Name – The Dirtbombs

Oh! Sweet Nuthin’ – My Morning Jacket

Sweet Jane and Beast Of Burden – The Kooks

I Can’t Stand It – The Laureates

Venus In Furs – The Kills

Candy Says – Kathryn Williams

Lady Godiva’s Operation – Fatima Mansions

I’m Sticking With You – The Decembrists

What Goes On – The Decembrists

I Found A Reason – Cat Power

Run Run Run – Capsula

Femme Fatale (live 31st August 2009) – Billy Corgan with Spirits In The Sky

Who Loves The Sun – Hafdis Huld

White Light, White Heat – David Bowie

White Light, White Heat (BBC Session version) – David Bowie

THE VELVET UNDERGROUND

Mgm_Verve_Albums_5052b484f0c67The Velvet Underground ‘White Light, White Heat’, 1967, o segundo álbum saiu originalmente faz hoje 45 anos- o primeiro sem Nico, e o último com John Cale – após a afiada ponta experimental da estréia, teve um efeito semelhante profundo sobre o punk, noise rock, outros dilacerados feedback, e uma distorção amorosa em géneros musicais.
John Cale abandonou a banda para seguir uma carreira a solo, sendo substituído por Doug Yule. Sem Cale, parte do experimentalismo tão característico da banda foi perdido.

Nirvana, David Bowie, eSuicide reinterpretam o classico.

David Bowie fez uma cover de White Light / White Heat a faixa-título de abertura Thin White Duke incluiu uma interpretação no seu concerto documentário Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, bem como no seu álbum de 1983 que o acompanha.

Os Britânicos shoegazers Chapterhouse são fiéis a “Lady Godiva’s Operation” mantêm a melodia vocal tensa envolta em fuzz. A cover é regularmente apresentada em álbuns tributo dos Velvet Underground.

Nirvana, por outro lado, vira delicadamente White Light de dois minutos num período de cinco minutos de duração, de distorção. Kurt “Here She Comes Now” foi inicialmente disponível em 1991 como uma 7 polegadas ao lado da própria versão dos Melvins de Velvet Underground & Nico” Venus In Furs “.

“I Heard Her Call My Name,” Jad Fair, fundador dos Michigan noise-punks Half Japanese, chamou a baterista dos V.U., Moe Tucker.

Finalmente os New York proto-synth-punk duo Suicide “Sister Ray Says”, apesar da amputação Alan Vega e Martin Rev gerenciam ​​em quatro minutos para a sua live compilation, Half Alive, de 1981, os mais infames 17 minutos da ode alimentada á heroina, e avant-jazz.

THE KNIFE

+abcVídeo feminista do primeiro single do novo álbum do duo sueco é da autoria da ativista e jornalista Marit Östberg. Os suecos Knife composto pelos irmãos Karin e Olof Dreijer, também proprietários da editora Rabid Records,formada em 1999, lançaram quatro discos desde então, aliaram-se á ativista política e jornalista que se tornou conhecida pelos seus filmes de cariz pornográfico, para o teledisco de “Full of Fire”, o primeiro single do novo álbum, Shaking the Habitual.

MO YAN – ESCRITOR CHINÊS

++mo yanMO YAN Peito Grande, Ancas Largas

Este romance foi publicado na China em 1995 e causou controvérsia, pelo seu conteúdo sexual e por ter uma versão muito própria da luta de classes que ia contra os cânones do Partido Comunista Chinês. Por ter vencido o Prémio Nobel de Literatura 2012, Mo Yan viu a sua obra regressar às livrarias.

Um livro que não deixa ninguém indiferente e que percorre e retrata a China do último século, através da vida de uma família em que os seres verdadeiramente fortes e corajosos são as mulheres. Segundo o próprio autor, este é um romance obrigatório, «sobre a história, a guerra, a fome, a política, a religião, o amor e o sexo!».

Mo Yan foi obrigado a escrever uma autocrítica ao seu próprio livro e, mais tarde, a retirá-lo de circulação, mas, mesmo assim, inúmeros exemplares continuam a circular clandestinamente na China.

O corpo feminino serve de metáfora para o livro, que relata a história de uma mulher nascida em 1900, e que se casa aos 17 anos.
Com nove filhos, apenas o mais novo é rapaz, Jintong, um jovem inseguro e fraco que contrasta com as oito irmãs, muito determinadas.